35 najlepszych filmów dostępnych obecnie na HBO Max (sierpień 2025)

Jako miejsce narodzin prestiżowych seriali telewizyjnych, takich jak „Rodzina Soprano” i „Prawo ulicy” , HBO – a co za tym idzie, HBO Max – słynie przede wszystkim z imponującej oferty oryginalnych seriali. Stacja podnosi również poprzeczkę, wprowadzając pełnometrażowe produkcje, o których marzy każdy, kto zdobędzie Oscara.

Poniżej znajduje się lista naszych ulubionych filmów dostępnych w serwisie HBO Max – od nagrodzonych Oscarem epopei po dystopijne klasyki science fiction. Jeśli wolisz telewizję, zajrzyj do naszych propozycji najlepszych seriali w HBO Max . Jeśli szukasz jeszcze więcej rekomendacji, sprawdź nasze listynajlepszych filmów na Netflixie , Amazon Prime i Disney+ .

Jeśli kupisz coś za pośrednictwem linków w naszych relacjach, możemy otrzymać prowizję. To pomaga nam wspierać dziennikarstwo. Dowiedz się więcej .

Dwadzieścia pięć lat po premierze „Oszukać przeznaczenie” i ponad dekadę po premierze ostatniej części, najnowsza odsłona serii horrorów tak złych, że aż dobrych, właśnie zaserwowała nam swój niewątpliwie najlepszy rozdział. Choć historia podąża za tym samym schematem, który fani znają i kochają – grupie ludzi udaje się oszukać śmierć, więc Śmierć powraca, by dokończyć dzieła – ta część dodaje do tej znanej już historii. To nadaje jej bardziej emocjonalny charakter, ale jednocześnie jest całkiem sprytna w nowym sposobie, w jaki pozbawia życia tych, których los był z góry przesądzony. I choć jest to piekielnie krwawe, cała ta historia ma w sobie coś subtelnie komicznego.

Tuż po jednych z najlepszych i najbardziej udanych filmów Marvela w historii (czyli filmach z serii Czarna Pantera ), scenarzysta i reżyser Ryan Coogler znalazł zupełnie nowy sposób, by zadziwić kinomanów tą piękną opowieścią o wampirach. Akcja filmu rozgrywa się w latach 30. XX wieku w Missisipi. W filmie Michael B. Jordan wciela się w podwójną rolę braci bliźniaków Smoke'a i Stacka, dwóch weteranów I wojny światowej, którzy wracają z Chicago z pieniędzmi od mafii i planują otworzyć juke jointa. Jednak noc otwarcia ich nowego lokalu kończy się tragicznie, gdy w ich drzwiach pojawia się grupa krwiopijnych białych muzyków. Bogaty i pełen pięknie sfilmowanych scen akcji, Sinners już znajduje się na szczycie większości list najlepszych filmów 2025 roku. Oprócz oryginalnej wersji kinowej, HBO Max oferuje streaming filmu w języku migowym Black American Sign Language (BASL).

W 2017 roku Jordan Peele przeszedł z połowy Key & Peele do scenarzysty nagrodzonego Oscarem (nie wspominając o pierwszym czarnoskórym pisarzu, który zdobył Oscara za najlepszy scenariusz oryginalny i pierwszym czarnoskórym filmowcu nominowanym jako producent, scenarzysta i reżyser w ciągu jednego roku). Osiem lat później wpływ filmu Uciekaj! Peele'a jest nadal imponujący. Chris (Daniel Kaluuya) został zaproszony przez swoją dziewczynę, Rose (Allison Williams), aby spędzić weekend w domu jej rodziców w północnej części stanu Nowy Jork. Podczas gdy Chris martwi się, że jej pozornie zamożni rodzice nie zaakceptują międzyrasowego związku, Rose zapewnia go, że nie będzie to problemem — i ma rację, ale z niewłaściwych powodów. W Uciekaj ! Peele złamał kod na zrobienie filmu, który był jednocześnie horrorem, dramatem psychologicznym i komentarzem na temat rasy.

Nawet jeśli nie interesują cię nagrody, fakt, że „Parasite” jest pierwszym – i wciąż jedynym – filmem nieanglojęzycznym, który zdobył Oscara dla najlepszego filmu, powinien powiedzieć ci coś o uniwersalności jego tematów. Kimowie, rodzina walcząca o przetrwanie, obierają sobie za cel Parków, zamożną rodzinę z wieloma własnymi problemami, ale też z dużymi pieniędzmi, które pozwalają im zatuszować swoje dysfunkcje. Przynajmniej na jakiś czas. Właśnie gdy myślisz, że wiesz, jak w tej czarnej komedii rozgrywa się walka klas, zmienia ona kurs, by osiągnąć nieoczekiwane zakończenie. Jak zawsze, reżyser Bong Joon-ho wie, jak poprowadzić widza jedną ścieżką, by otworzyć zapadnię na inną.

Pracownik biurowy (Edward Norton) uwielbiający zakupy katalogowe i grupy wsparcia spotyka w samolocie zbuntowanego producenta mydła (Brad Pitt) – po czym nie potrafi się od niego uwolnić. Ale tak naprawdę nie wydaje się, żeby chciał, zwłaszcza gdy uświadamiają sobie, że wzajemne okładanie się pięściami to świetny sposób na rozładowanie stresu dnia codziennego. Wkrótce zgromadzą armię członków Klubu Walki gotowych podbić świat. Minęło ponad 25 lat, odkąd adaptacja bestsellerowej powieści Chucka Palahniuka autorstwa Davida Finchera wywróciła do góry nogami całe pokolenie kinomanów. Chociaż film okazał się klapą, gdy trafił do kin, od tamtej pory zyskał masowe grono fanów – a nawet zrodził kilka naprawdę prawdziwych klubów walki.

Twórca Succession Jesse Armstrong może być dziś najważniejszym kronikarzem 1 procenta na świecie. Pozostaje w tym samym miejscu z Mountainhead , swoim pełnometrażowym debiutem reżyserskim, który następuje po niespodziewanie pełnym wydarzeń weekendowym spotkaniu czterech najpotężniejszych ludzi świata technologii w nowym górskim odosobnieniu Hugo „Soupera” Van Yalka (Jason Schwartzman), jedynego nie-miliardera w tej grupie. Chociaż ma to być przyjacielskie spotkanie starych kumpli, każdy ma ukryty motyw blokowania weekendu w swoim kalendarzu. Ale wszystkie plany idą przez okno, gdy platforma mediów społecznościowych należąca do Ven Parisha (Cory Michael Smith), najbogatszego człowieka świata, wprawia świat w zamęt w wyniku przyspieszonej funkcji AI, która rozprzestrzenia dezinformację w alarmującym tempie. Co wszyscy oprócz Vena postrzegają jako okazję do zwiększenia zarówno swojej władzy, jak i wartości netto.

Romy Mathis (Nicole Kidman) jest wpływową dyrektor generalną z mężem (Antonio Banderas), który jej nie podnieca, i dwiema nastoletnimi córkami, które uwielbia. Ale jej życie wywraca się do góry nogami, gdy pewnego ranka, idąc do biura, zostaje niemal zaatakowana przez psa. Przystojny młody nieznajomy (Harris Dickinson) wkracza do akcji i udaje mu się uniknąć ataku, co pozostawia Romy wstrząśniętą — i ciekawą. Później ten sam młody mężczyzna zostaje jej przedstawiony jako Samuel, jeden z jej najnowszych stażystów, który wydaje się wciąż znajdować sposoby na przekraczanie granic właściwego zachowania w miejscu pracy. Ostatecznie Romy ulega zalotom Samuela i jego zamiłowaniu do zboczeń w stylu BDSM. Pomimo obaw Romy dotyczących niesprawiedliwej dynamiki władzy, Samuel upiera się, że to on ma władzę w ich związku, ponieważ to ona ma wszystko do stracenia. Może mieć rację.

Adrien Brody zdobył swojego drugiego Oscara dla najlepszego aktora za ten historyczny epos w reżyserii Brady'ego Corbeta o László Tóth (Brody), architekcie wykształconym w Bauhausie, który emigruje do Ameryki po przeżyciu obozu koncentracyjnego w Buchenwaldzie. Tóth osiedla się w okolicach Filadelfii i musi odbudować swoje życie, podejmując się prac fizycznych za niewielkie wynagrodzenie. Talenty Tótha nie pozostają jednak długo w ukryciu. Bogaty przemysłowiec, Harrison Lee Van Buren (Guy Pearce), dowiaduje się o przeszłości Tótha i zleca mu zaprojektowanie ogromnego projektu. Pomaga również przyspieszyć imigrację żony Tótha, Erzsébet (Felicity Jones), której Tóth nie widział od czasu uwięzienia. Ale Tóth wkrótce dowiaduje się, że amerykański sen ma swoją cenę. Podczas gdy w swojej istocie Brutalista jest szczerym obrazem doświadczeń imigrantów, jest to również poruszająca wypowiedź na temat bólu, który towarzyszy przetwarzaniu traumy. Film zdobył trzy z dziesięciu nominacji do Oscara i w pełni na każdą z nich zasługuje.

Chociaż Paul Mescal zdobył nominację do Oscara dla najlepszego aktora za rolę w filmie Aftersun , film — reżyserski debiut szkockiej filmowczyni Charlotte Wells — pozostaje bardzo niedoceniony. Calum (Mescal) jest ojcem zmagającym się z psychicznym cierpieniem i robiącym co może, by je ukryć, podczas wakacji ze swoją bystrą 11-letnią córką Sophie (Frankie Corio) w Turcji. Ale ona widzi przez fasadę, nawet jeśli nie rozumie, co się dzieje. Podczas gdy ich leniwe dni na plaży zajmują większość czasu trwania filmu, to wspomnienia Sophie z wakacji i niejednoznaczność ich zakończenia — nie wspominając o zadziwiająco autentycznej chemii między Mescalem i Corio — sprawiają, że film jest zarówno mocną medytacją na temat choroby psychicznej i jej wpływu na otaczających nas ludzi, jak i uderzającą opowieścią o dorastaniu.

Przygotuj się na totalne szaleństwo tej odjazdowej japońskiej komedii grozy z 1977 roku. Gorgeous (Kimiko Ikegami) to córka znanego kompozytora filmowego, która wraca z podróży do Włoch z niespodzianką: nową żoną. Aby uniknąć niezręcznej sytuacji, pyta ciotkę, czy może spędzić lato w jej upiornej, starej rezydencji, po czym zabiera ze sobą szóstkę najbliższych przyjaciółek. Nie mija dużo czasu, a zaczynają dziać się dziwne rzeczy. Ataki bezcielesnych głów, mordercze fortepiany i portrety opętanych kotów? Ten ekscytująco zwariowany, kultowy klasyk ma wszystko!

Legendarni dokumentaliści Albert i David Mayslesowie na nowo zdefiniowali rockumentarny dzięki tej wciągającej relacji z pierwszej ręki z ostatnich dni trasy koncertowej Rolling Stonesów po USA w 1969 roku, która doprowadziła do ich niesławnego Altamont Free Concert. Koncert, który przyciągnął około 300 000 osób na kalifornijski Altamont Speedway 6 grudnia 1969 roku, był katastrofą od samego początku — szczególnie biorąc pod uwagę decyzję zespołu o sprowadzeniu Hells Angels jako ochrony koncertu (jeden z członków słynnie powiedział, że podobno płacono im piwem). Stonesi nie byli jedynymi artystami, ale kiedy wyszli na scenę, tłum wymknął się spod kontroli. W pewnym momencie jeden z Angelsów dźgnął mężczyznę, Meredith Hunter, tuż przed sceną — moment, który filmowcy później zdali sobie sprawę, że uchwycili na filmie. Zobaczenie reakcji zespołu na obejrzenie nagrania samemu tworzy naprawdę fascynującą perspektywę na gwiazdorstwo rocka.

Colman Domingo po raz kolejny udowadnia, dlaczego jest jednym z najbardziej cenionych aktorów współczesności, występując w tej nominowanej do Oscara roli. Divine G (Domingo) to więzień osławionego nowojorskiego więzienia Sing Sing, odsiadujący wyrok za przestępstwo, którego nie popełnił. Podczas pobytu w więzieniu odnajduje sens życia i radość w więziennej grupie teatralnej, będącej częścią (bardzo realnego) programu Rehabilitacja przez Sztukę. Odkrywając w sobie aktora, Divine G potrafi nawiązać kontakt ze swoimi emocjami i postanawia udowodnić swoją niewinność. Jednak jego niezaprzeczalny talent aktorski, który inspiruje niektórych współwięźniów, okazuje się problemem podczas przesłuchania w sprawie zwolnienia warunkowego. Ostatecznie Divine zaczyna szanować transformacyjną moc sztuki, która pomaga jemu i niektórym współwięźniom przezwyciężyć traumy z przeszłości. Film zyskuje jeszcze większą siłę oddziaływania dzięki temu, że wielu aktorów to byli więźniowie, którzy brali udział w programie.

Hugh Grant zdobył zasłużone uznanie za grę, która jak dotąd nie przystała do jego typu w tym thrillerze psychologicznym o tematyce religijnej. Siostra Barnes (Sophie Thatcher) i siostra Paxton (Chloe East) to dwie młode mormonki, które desperacko szukają kogoś – kogokolwiek – kto pozwoli im mówić o swojej religii, próbując w ten sposób pozyskać nowych członków Kościoła. Kiedy pan Reed (Grant), pozornie życzliwy starszy mężczyzna, zaprasza je do siebie, aby wygłosić ich mowę przed nim i jego żoną, szybko staje się jasne, przynajmniej dla siostry Barnes, że coś jest nie tak. I że Reed nie tyle chce słuchać o religii, co o niej rozmawiać – i narzuca młode kobiety swoje przekonania w coraz bardziej dziwaczny i zabójczy sposób.

Podobnie jak w przypadku dwóch poprzednich filmów scenarzysty/reżysera Ariego Astera, Hereditary i Midsommar , pisemne podsumowanie nigdy nie oddaje sprawiedliwości jego bardzo specyficznemu stylowi filmowemu. W filmie Beau Is Afraid , który jest niewątpliwie najbardziej surrealistycznym ze wszystkich jego filmów, Joaquin Phoenix gra tytułową rolę Beau, mężczyzny w średnim wieku, który mieszka sam w dzielnicy ogarniętej przestępczością, gdzie nawet przebiegnięcie przez ulicę do sklepu może być śmiertelną przygodą. Kiedy Beau, po serii dziwnych wydarzeń, dowiaduje się o śmierci matki, musi znaleźć sposób, aby iść naprzód w obliczu swoich licznych lęków, aby wrócić do domu i poradzić sobie z następstwami. Gdyby tylko nie padał ofiarą ludzi obiecujących mu pomoc, tylko po to, by wciągnąć go w ich własne surrealistyczne okoliczności. Chociaż czasami może wydawać się nieco samouwielbiający — a trwający dwie godziny i 59 minut, zbyt długi — występ Phoenixa i autorski styl Astera sprawiają, że jest mimo wszystko przekonujący.

Nawet jeśli widziałeś to 100 razy i wiesz, co będzie dalej, Carrie wciąż ma zdolność, by sprawić, że podskoczysz z krzesła – prawie 50 lat po premierze. Carrie White (Sissy Spacek) to nieśmiała, niezdarna nastolatka, która była chroniona (i regularnie maltretowana) przez swoją bogobojną matkę (Piper Laurie). Ale kiedy dzieciaki z sąsiedztwa nadały jej przezwisko „Przerażająca Carrie”, byli na tropie czegoś. Bo kiedy Carrie jest zestresowana, wściekła lub w inny sposób zmaga się z jakimś rodzajem psychologicznego cierpienia, atakuje – za pomocą swoich kinetycznych mocy. Niestety, jej koledzy z klasy dowiadują się o tym ukrytym talencie dopiero, gdy jest już za późno: po tym, jak porządnie ją upokorzą na balu maturalnym. Chociaż istnieją sequele i remaki – w tym nadchodzący remake Mike'a Flanagana dla Prime Video – jest tylko jedna oryginalna (i solidna) adaptacja debiutanckiej powieści Stephena Kinga i jest nią ta.

Andrew Garfield i Florence Pugh rozpalają ekran swoją chemią w tym romantycznym, wzruszającym filmie, który śledzi losy pary na przestrzeni dekady – od ich nieudanego spotkania (w którym ona potrąca go samochodem), przez rodzicielstwo, aż po ostateczne wyzwanie, które zagraża ich szczęśliwemu życiu. Garfield i Pugh to dwoje najbardziej uznanych aktorów swojego pokolenia, a film „Żyjemy w czasie” dowodzi dlaczego.

Do tej pory większość z tego, co słyszeliście o filmie „Julor #2”, to to, że jest to jedno z najbardziej udanych dzieł reżyserskich Clinta Eastwooda – a jednak jakoś poniosło porażkę, gdy przyszło do premiery kinowej. Teraz macie szansę przekonać się, o co całe to zamieszanie. Justin Kemp (Nicholas Hoult) to dziennikarz i były alkoholik, który dokłada wszelkich starań, by zachować trzeźwość. Staje się to nie lada wyzwaniem, gdy zostaje powołany do ławy przysięgłych w głośnym procesie o morderstwo… tylko po to, by uświadomić sobie, że mógł nieświadomie odegrać rolę w tym, co się stało. Hoult jest fantastyczny w tym trzymającym w napięciu dramacie prawniczym (i etycznym).

Minęło prawie 40 lat, odkąd film Tima Burtona „Sok z żuka” podbił box office pod koniec lat 80. W kolejnych dekadach często słyszeliśmy pogłoski o planach kontynuacji. Albo o planach. Albo o tym, że na pewno powstaną. Albo że w ogóle nie będzie ich w planach. Cóż, w 2024 roku w końcu się to stało i Michael Keaton wcale nie odszedł od tej roli (życie wieczne ma to do siebie, że potrafi). Tym razem jednak Lydia (Winona Ryder) wciąż stara się zapomnieć o spotkaniu z ekspertem od bio-egzorcyzmów. Ale kiedy wraca do rodzinnego domu, to jej własna, twarda córka (Jenna Ortega) znajduje sposób, by przywrócić go do życia wszystkich.

Oprócz zupełnie nowego filmu o Supermanie , widzowie powinni podziękować Jamesowi Gunnowi i jego współdyrektorowi generalnemu DC Studios, Peterowi Safranowi (po części) za udostępnienie światu tego długo wyczekiwanego dokumentu o najwybitniejszym aktorze-superbohaterze. Reżyserzy Ian Bonhôte i Peter Ettedgui składają szczery, wzruszający hołd Reeve'owi – jako aktorowi, owszem, ale przede wszystkim jako osobie, która nigdy się nie poddała. Alexandra Reeve Givens, Matthew Reeve i Will Reeve – dzieci Reeve'a – dzielą się swoimi historiami o ojcu, nadając projektowi kolejny wymiar intymności. Nie, płaczesz.

Brandon Vietti ( „Batman: W cieniu Czerwonego Kaptura ”) reżyseruje tę nowatorską animowaną adaptację nagrodzonej nagrodą Hugo powieści graficznej Alana Moore’a, opowiadającą o śledztwie w sprawie morderstwa Edwarda Blake’a – lepiej znanego jako superbohater o imieniu Komediant. Kiedy policja nie znajduje żadnych podejrzanych, przebrany za mściciela Rorschach (Titus Welliver) postanawia wziąć sprawę w swoje ręce i ostatecznie dochodzi do wniosku, że ktoś próbuje okraść superbohaterów. Zwraca się więc o pomoc do grupy superbohaterów, aby położyć kres tej masowym mordom.

„MaXXXine” to trzeci film z trylogii „X” autorstwa scenarzysty i reżysera Ti Westa, zapoczątkowanej przez „X” i „Pearl ”. Akcja rozgrywa się tuż po wydarzeniach z „Pearl” . Maxine Minx, grana przez Mię Goth, desperacko pragnie uciec od dorastania jako córka pastora i przenieść się z porno do kina. Szansę na to otrzymuje, gdy gra główną rolę w horrorze „Purytanin II”. Wkrótce potem jej przyjaciele zaczynają być mordowani. Ostatecznie Maxine musi zmierzyć się z grzechami przeszłości i znaleźć sposób na osiągnięcie sławy, o której tak rozpaczliwie marzy.

W niedalekiej przyszłości Stany Zjednoczone przekształciły się w pole bitwy między autorytarnym rządem, na czele którego stoi prezydent trzeciej kadencji (Nick Offerman), a falą ruchów secesjonistycznych, które grożą zniszczeniem kraju, jaki znamy. Jednak grupa dziennikarzy (pod przewodnictwem Kirsten Dunst) za wszelką cenę pragnie udokumentować upadek Ameryki, dlatego udaje się do Białego Domu, aby przeprowadzić wywiad z prezydentem w tarapatach. Łatwiej powiedzieć niż zrobić. Nominowany do Oscara Alex Garland ( Ex-Machina ) jest scenarzystą i reżyserem tego dystopijnego dramatu, który często uderza w widza z niepokojem .

„ Furiosa ” może i została okrzyknięta pierwszą bombą kasową zeszłego lata, ale niech te nagłówki skupione na pieniądzach nie zniechęcą was do tego filmu. Anya Taylor-Joy, niewątpliwie jedna z najbardziej wszechstronnych aktorek na świecie, błyszczy w roli Imperatorki Furiosy, twardzielki, która odważa się rzucić wyzwanie konwencjom płciowym w niebezpiecznym, postapokaliptycznym świecie, gdzie (co nie dziwi) to mężczyźni ustalają zasady. Taylor-Joy znakomicie wciela się w rolę, którą Charlize Theron w niezapomniany sposób stworzyła w „Mad Max: Na drodze gniewu” .

Pomimo zdobycia czterech nominacji do Oscara w 2022 roku – i jednej w kategorii Najlepszy Film Międzynarodowy – nadal wydaje się całkowicie trafne stwierdzenie, że film Ryûsuke Hamaguchi „Drive My Car” pozostaje żałośnie niedoceniony. Oto Twoja szansa, aby to naprawić. Yusuke Kafuku (Hidetoshi Nishijima) to znany reżyser teatralny, który wciąż nie może się otrząsnąć po śmierci żony. W końcu podejmuje decyzję o powrocie do pracy i zgadza się na dwumiesięczny staż, aby wyreżyserować sztukę w Hiroszimie, godzinę drogi od domu. Każdego dnia młoda kobieta (Toko Miura) odwozi go do teatru i z powrotem. Cały ten czas spędzony razem w ciasnej przestrzeni ostatecznie prowadzi do przyjaźni – takiej, w której Kafuku czuje się komfortowo, dzieląc się wyzwaniami, z którymi mierzy się w swoim nowym projekcie, a ostatecznie także prawdą o tym, jak żona go zdradziła. Filmy drogi nigdy nie były tak intymne – ani tak swobodne.

Angielska scenarzystka i reżyserka Rose Glass kontynuuje swoją nominowaną do nagrody BAFTA opowieść o Saint Maud , pełną zwrotów akcji i przemocy. Akcja rozgrywa się w 1989 roku w prowincjonalnym miasteczku w Nowym Meksyku, gdzie menedżerka siłowni Lou (Kristen Stewart) stara się pozostać w cieniu i mieć oko na swoją siostrę Beth (Jena Malone), która jest w toksycznym związku z mężem JJ (Dave Franco). Życie Lou wywraca się jednak do góry nogami, gdy Jackie (Katy O'Brian), piękna młoda kulturystka, zaczyna przychodzić na siłownię Lou, aby trenować przed zbliżającymi się zawodami w Las Vegas. Zakochują się w sobie – a potem skrywane rodzinne sekrety Lou wychodzą na jaw i zagrażają jej życiu i życiu bliskich.

„Nazywam się Faye Dunaway. Taka właśnie jestem”. Tak oto laureatka Oscara przedstawia się w zwiastunie pełnometrażowego filmu dokumentalnego Laurenta Bouzereau. Film ujawnia jednak, że Faye Dunaway to o wiele więcej niż tylko olśniewający wizerunek legendarnej gwiazdy serialu „Network” . Dunaway otwiera się w niespotykany dotąd sposób, opowiadając o swoim dzieciństwie i rodzinie, zmaganiach z chorobą afektywną dwubiegunową i o tym, jak grane przez nią postacie wciąż na nią wpływają. To fascynujący portret prawdziwej ikony Hollywood.

Pełnometrażowy film dokumentalny Jess Jacklin śledzi fascynującą historię Blake'a, Prentice'a i Richarda – trójki osób z tetraplegią, które spotykają się w laboratorium neurorehabilitacji w szpitalu Mount Sinai i rozpoczynają plan stworzenia pierwszej na świecie drużyny e-sportowej złożonej wyłącznie z tetraplegików. To szlachetne dążenie, ale i pełne wyzwań, gdy obala on bariery dyskryminacji osób niepełnosprawnych. W swojej istocie „Quad Gods” to opowieść o przyjaźni, wytrwałości i przetrwaniu.

Lucy (Dakota Johnson) to trzydziestolatka mieszkająca w Los Angeles, która ciągle popada w rozterki w związkach i zastanawia się, dlaczego jeszcze nie wszystko sobie poukładała. Po tym, jak w stanie nietrzeźwości opowiada historię o tym, jak w wieku nastoletnim pocałowała przyjaciółkę, zaczyna zdawać sobie sprawę, że problem w jej życiu uczuciowym może nie tkwić w mężczyznach, których wybiera, ale w tym, że w ogóle ich wybiera. Była scenarzystka programu Saturday Night Live, Lauren Pomerantz, napisała scenariusz filmu oparty na jej własnych doświadczeniach z coming outem w wieku trzydziestu lat. Tig Notaro i jej żona Stephanie Allynne wykonują godną podziwu pracę jako współreżyserki, traktując drogę Lucy do samopoznania z należnym jej szacunkiem – i dużą dawką humoru.

Na dobre i na złe, miliony fanów filmów zapamiętają rok 2012 jako rok MoviePass . Za 25 dolarów miesięcznie można było w zasadzie zamieszkać w kinie — co było świetne dla widzów, niekoniecznie dla kin (które i tak borykały się z problemami) i ostatecznie okazało się katastrofą dla samej firmy. Dla każdego, kto nadal ma MoviePass, ten odkrywczy dokument opowiada prawdziwą historię wszystkiego, co poszło nie tak za kulisami, i dzieli się historią niedocenianych bohaterów, którzy tak naprawdę chcieli po prostu stworzyć produkt, który miłośnicy filmów mogliby zaakceptować. A tak przy okazji: jeśli rzeczywiście nadal masz swój oryginalny MoviePass, ten dokument uczynił z niego wartościową pamiątkę — niektóre z nich sprzedają się za ponad 1000 dolarów .

Od czasu przełomu nominowanego do Oscara filmu „Pogorzelisko” (2010) Denis Villeneuve nieustannie udowadnia, że jest jednym z najbardziej utalentowanych współczesnych filmowców. Jakby stworzenie sequela „Łowcy androidów” , który nie okazał się klapą, nie wystarczyło, Villeneuve złamał kod filmowy w serii „Diuna” Franka Herberta – coś, co przed nim próbowali, choć w dużej mierze bezskutecznie, prawdziwi wizjonerzy, tacy jak David Lynch i Alejandro Jodorowsky. Zarówno oryginał z 2021 roku, jak i jego kontynuacja są dostępne na HBO Max – podobnie jak adaptacja Lyncha z 1984 roku (która z biegiem lat stała się kultowym klasykiem). Film śledzi losy planety Arrakis – i jej zapasów melanżu, unikalnej przyprawy i najcenniejszej substancji we wszechświecie – które spoczywają w rękach Paula Atrydy (Timothée Chalamet), niesprawdzonego syna potężnego księcia. Szukasz więcej akcji „Diuny” ? Serial będący prequelem Diuny: Przepowiedni , w którym grają Emily Watson, Olivia Williams i Mark Strong, jest dostępny w całości do obejrzenia na platformie streamingowej.

W 1943 roku Rudolf Höss (Christian Friedel) był komendantem Auschwitz, który spędzał dni, bawiąc się w Boga z życiem niewinnych więźniów obozu koncentracyjnego. Ale co się stało, gdy Höss wrócił do domu? To rzeczywistość, którą przedstawia nagrodzony Oscarem film Jonathana Glazera, a odpowiedź brzmi: niewiele. Höss mieszka tuż obok obozu, w tzw. Strefie Interesów, z żoną Hedwigą (Sandra Hüller) i pięciorgiem dzieci. W tych czterech ścianach starają się zbudować wymarzone życie dla swojej rodziny – podczas gdy odgłosy strzałów, nadjeżdżających pociągów i rozpalanych pieców są po prostu częścią codziennego życia. Tak, jest to równie brutalne – i konieczne – jak się wydaje.

Podobnie jak słynne pudełko czekoladek Forresta Gumpa, nigdy nie wiesz, co dostaniesz po kreacji Nicolasa Cage'a . Ale to aktor jedyny w swoim rodzaju, którego role zazwyczaj wpadają w jedną z dwóch kategorii: całkowicie transcendentne lub pożerające scenerię w najbardziej żarłocznym wydaniu. „Scenariusz marzeń” jest zdecydowanie tym pierwszym i został okrzyknięty przez niektórych krytyków jednym z najlepszych występów nagrodzonego Oscarem aktora. I słusznie. Cage wciela się w Paula Matthewsa, niepozornego profesora biologii, który nagle zaczyna pojawiać się w snach nieznajomych i dzięki temu zyskuje viralową sławę. Jak każda dobra kreacja Cage'a, ta jest wieloaspektowa i analizuje ciemne strony nagłej sławy oraz jej rzeczywisty koszt.

Greta Gerwig jest mistrzynią w tchnięciu nowego życia w stare relikwie (patrz: Małe kobietki ). Dzięki Barbie zapoczątkowała rewolucję. Barbie (Margot Robbie) wiedzie najlepsze życie w Barbielandzie — aż do dnia, kiedy jej idealnie plastikowy świat i obcasy nagle zaczynają się walić. Aby odzyskać swoje bajeczne życie, Barbie musi udać się do prawdziwego świata — a właściwie do Los Angeles — aby ustalić, kto lub co powoduje jej kryzys egzystencjalny. Film zarobił na całym świecie prawie 1,5 miliarda dolarów, co oznacza, że już go widzieliście. Ale nawet jeśli widzieliście, zdecydowanie warto obejrzeć go ponownie — choćby po to, by pożałować licznych porażek na Oscarach.

W 2017 roku anonimowo wyciekł raport wywiadu dotyczący rosyjskiej ingerencji w wybory prezydenckie w USA w 2016 roku. Rok później była tłumaczka NSA, Reality Winner (tak, to jej prawdziwe nazwisko), została skazana na ponad pięć lat więzienia za to przestępstwo – to najwyższy wyrok, jaki kiedykolwiek otrzymał informator rządowy. Gwiazda HBO, Sydney Sweeney ( Euforia , Biały Lotos ), lśni w tej wciągającej, opartej na faktach historii, która rozgrywa się głównie w czasie rzeczywistym, gdy FBI puka do drzwi 25-latki i spędza ponad godzinę na przesłuchaniu.

Osiągnięcie sukcesu w ciągu życia może wydawać się marzeniem każdego artysty, ale Nan Goldin ma większe ambicje. Choć z zawodu jest fotografką, z powołania jest aktywistką i od dawna używa aparatu, by uchwycić boleśnie intymne chwile Ameryki w kryzysie, w tym obszerne prace poświęcone HIV/AIDS i epidemii opioidowej. Jednak „All the Beauty and the Bloodshed” ukazuje artystkę w konflikcie: czy powinna pozwolić na prezentację swoich prac w jednym z prominentnych muzeów lub galerii, które otrzymały dotacje od rodziny Sacklerów – rodziny wielkich koncernów farmaceutycznych, którą wielu obwinia za kryzys opioidowy w Ameryce? To poruszający portret artystki gotowej zaryzykować wszystko dla swoich przekonań.